Pongo parte de un texto de Vik Muniz

…cada vez que alguien va a un museo, camina hacia un cierto punto, digamos que hay un paisaje justo delante de ellos, y luego se detienen como si hubiera una cinta en el suelo y la miraran desde cerca y luego desde más lejos. Es perfectamente natural hacer esto porque al acercarse y luego alejarse de la pintura están haciendo las dos cosas más importantes que tiene pensar en el arte. Primero ven una imagen, algo que es idealizado, que proviene de la fantasía de un artista, de la mente. Luego, cuando se acercan, pueden ver de qué está hecho. Es sólo pintura. La pintura es muy mundana, es algo que proviene de los aceites animales, la tierra. La mayoría de los pigmentos provienen de la tierra. Cuando las personas se alejan de la pintura, ven la mente, y cuando se acercan a ella ven la materia. En esta ida y vuelta pueden encontrar el momento preciso en que una cosa se convierte en otra. Eso es lo sublime del arte. Cuando finalmente conectamos o sentimos la fina membrana que separa el mundo que vemos del mundo que está ahí fuera a través del límite de nuestros sentidos. Sólo el arte puede hacer esto. Digo esto todo el tiempo y todavía me da la piel de gallina porque es algo que es muy importante. Es una forma de conectar nuestro sentido humano con algo que ignoramos virtualmente, pero podemos sentir.

Martha Rosler es otra fotógrafa activista política, por si no la conocéis.

Creo que la fotografía tiene un gran potencial como herramienta de cambio social pero a diferencia de la pintura, escultura, etc, tiene un público muy reducido porque la fotografía contemporánea ya no es algo directo, ya no representa algo del mundo (la fotografía documental si), sino que dice algo sobre el autor y eso al público no versado normalmente no le interesa porque no lo entiende y por eso en muchas ocasiones es necesario el uso de cartelas.

Por cierto Anuska...si depende de mi zona...voy apañada!!!

Si no es mucha molestia, cuando haya cursos interesantes (y ahora me direis, qué es interesante para ti? y yo no tengo respuesta jajaja), por favor, ponedlos para que el resto nos enteremos!!

PD/ Me he apuntado en diferido!! Gracias Cuervo Ingenuo!!!

Ando súper liado y no os he podido leer a todos todavía... Ya intervendré más adelante si tengo algo que aportar. Voy con la primera intervención de Elías y las entrevistas a Yayo y Claramonte (qué suerte tenemos en la Uned).


El asunto que trae Elías es complejo y ha ocupado y ocupa a muchos historiadores y filósofos…
El mismo Claramonte, en la entrevista que comparte Anuska, parece tomar partido:

“Para quienes trabajamos en arte esto es fundamental, no habría emociones o experiencias estéticas sin cuerpo. Por mucho que en Occidente haya tenido cierta preeminencia el arte conceptual y los malabarismos mentales, en el fondo toda práctica artística remite a la corporeidad y a ese estar situado en el mundo”.

Esto significaría que 0’00’ de Cage no es arte, por ejemplo, algo en lo que está de acuerdo Rivera de Rosales para quien 0’00’ ”es una mera idea y señala un límite no sensible en ningún caso: la desmaterialización total, que borra toda posibilidad de contemplación de una obra de arte, de toda aiesthesis”. Es decir, estaríamos hablando de una idea, de un ideal no realizado e imposible de aprehender…

Yayo Aznar a propósito del debate entre Benjamin y Adorno dice que “la creación sin conocimiento corre el peligro de quedarse en el nivel de mito, pero el conocimiento sin creación suele quedarse en el discurso cósico”.

Para Hegel "pocas manifestaciones exteriores" no quiere decir “ninguna”: "la falta de manifestación exterior, de objetivación, [aparece] como silencio, cosa que puede ser muy ambigua. También guarda silencio lo vacío, lo superficial, pero si ha de mostrarse que el silencio tiene profundidad, entonces corresponde al propio arte del poeta, indicar en pocas manifestaciones exteriores, esa calma, esa infinitud del ánimo".

Para Hegel, como para Jacinto Rivera sería necesaria la materialización de la idea para poder hablar de arte. La trampa para Rivera está “cuando el arte conceptual no ofrece objeto alguno”…

Yo no tengo tan claro que 0’00’ no sea una obra de arte, aunque en el pasado he defendido que no lo era… además creo que es muy complicado mantener la defensa de que 4’33’’ es arte y 0’00’ no… para el que no las conozca explico de qué va el asunto.

4’33’’ es una pieza para orquesta en tres movimientos. Orquesta que está en silencio y cuyas partituras están en blanco durante este tiempo… para Rivera sí hay experiencia sensible porque, aunque no hay música, oímos otras cosas, fundamentalmente al público moviéndose, tosiendo, murmurando. Aunque en realidad, también hay una materialización, la de la presencia de la orquesta.

Os dejo con una interpretación de 4'33''


En realidad, el asunto es muy complejo porque lo que Cage hace es darnos la oportunidad de observar el mundo tal y como es, con esos ruidos que no tomamos en consideración mientras atendemos a otros. Aprovecha para romper la diferencia entre arte y vida, ruido y música, actor y espectador…. Orden y caos… por seguir a Claramonte.

Para mí, hoy, tiene otras implicaciones complejas también… ¿Somos capaces de mantener la atención cuatro minutos y medio viendo “nada” sin hacer otra cosa….? Que conteste el que haya sido capaz de ver el video de arriba sin interrupciones, de dedicar ese tiempo a esa actividad solamente...

0’00’ aunque tenga apariencia de no ser nada… sigue siendo “algo” aunque yo aquí diga, amparado por la “academia”, que Cage suprimió la obra de arte… pero estoy tomando, como Rivera, el título por el todo y no estoy teniendo en cuenta que hay unas instrucciones concretas del artista que determinan lo que el espectador va a experimentar.

El caso es que creo que para Cage el arte está en la mirada… y eso es muy potente, como muy nietzscheano, pienso… que no es precisamente que el "arte esté en el artista"... pero todo está ya en Duchamp porque en él, el arte aparece como un proceso transformador de la mirada y por eso es tan compleja la afirmación de que “algo” es arte y preferimos quedarnos con sentencias como las de Dino di Formaggio: “Arte es todo lo que el hombre llama arte” postura que tiene la ventaja-desventaja de que todo sea/pueda ser arte…

El silencio de Cage es paralelo a los lienzos en blanco de Rauschenberg que son impensables sin la obra de Malévich que ya en 1915 lo reducía todo a un cuadrado negro

buena tarde

Las referencias son de:


• AZNAR ALMAZÁN, Y; GARCÍA HERNÁNDEZ, M. A. y NIETO YUSTA, C. (2012): Los discursos del arte contemporáneo, Madrid, CERA.

• HEGEL, G. W. F. (2003): Filosofía del arte o estética [(Verano de 1826). Apuntes de Friecrich Carl Hemannn Victor von Kehler], Edición de Annermarie Gethmann-Siefert y Bernadette Collenberg-Plotnikov. Traducción de Domingo Hernández Sánchez, Madrid, Abada editores, 2006.

• RIVERA DE ROSALES, J. (2011): “Actualidad de Hegel en la estética contemporánea” en: MONTSERRAT HERRERO (ED.) G. W. F. Hegel: Contemporary Readings. The Presence of Hegel’s Philosophy in the Current Philosophical Debates, Hildesheim, Zürich y New York, Georg Olms Verlag, pp. 89-116.

Hola
Vuelvo a la respuesta
Porque el artista dispone sus recursos para la expresión de algo que quiere comunicar y eso que desarrolla lo hace en ejercicio de su autonomía. Otra cosa es la eficacia que esa expresión tenga, el impacto en el público, en el mercado, su mejor o peor comprensión o su calificación de buen o mal arte

Hola, Xna

Dices, Xna: “Porque el artista dispone sus recursos para la expresión de algo que quiere comunicar y eso que desarrolla lo hace en ejercicio de su autonomía. Otra cosa es la eficacia que esa expresión tenga, el impacto en el público, en el mercado, su mejor o peor comprensión o su calificación de buen o mal arte”

Sí, pero es que tú ya partes de la existencia de un artista. Y mi pregunta es por qué y cómo una persona se convierte en artista. Es decir, tú partes, ab initio, de la existencia de unos presunto artista ya constituido. Artistas que lo son al margen del impacto del público, de la sociedad, de las instituciones o de cualquier otra relación.

Podría entender una visión relacional del artista pero no una visión subjetual del mismo. Es decir, podría entender que la condición de artista se adquiera en relación al público, al mercado, a las instituciones o según las diferentes concepciones del arte, pero lo que no logro entender es que la condición de artista resida en el sujeto al margen de toda relación.

Quizá te esté malinterpretando pero da la sensación de que defiendes una visión sustancialista. Aunque bien es verdad que yo estoy defendiendo una visión historicista o relacional. Lo que hoy es considerado como un artista según unos sectores puede que hoy mismo no sea considerado como tal según otros. Como lo que hoy es considerado un artista puede que en un futuro no se les considere como tales

Incluso la propia autora nos dice que el verdadero artista lo será en relación a la “contaminación” de activismo. Por tanto, no se trataría de que lo que desarrolle un artista lo haga en el ejercicio de su autonomía sino que necesariamente tendrá que estar “contaminado” de activismo para ser considerado un verdadero artista. Al parecer, y según Yayo, un artista que disponga de sus recurso para la expresión de algo que quiere comunicar y eso que desarrolle lo haga en el ejercicio de su autonomía no será un verdadero artista si no está contaminado de “activismo”. En realidad no se trataría de autonomía sino de heteronomía.

Y es curioso, porque a lo largo de toda la tradición se consideraba que el arte debía de estar a servicio de otros valores no artísticos (belleza, bien, etc). Es decir, se consideraba que el arte debía de ser heterónomo. Con la modernidad se empezó a considerar que el arte debía de ser autónomo (el arte por el arte), y por tanto, no debía de servir a nada que no fuera él mismo. Pero según Yayo, al menos como la interpreto, lo que nos propone sería una vuelta a la heteronomía del arte. Vuelta por la cual el arte debe estar supeditado al activismo político. Aquello que no quede supeditado al activismo político no sería considerado, al menos por la autora, como verdadero arte.

Si bien es verdad que antes quedaba supeditada a valores como el bien o la belleza ahora queda supeditado al activismo político. Y aquí podríamos entrar en un terreno bastante espinoso o resbaladizo. Entre otras razones porque juzgo como misión imposible la existencia de un presunto activismo político neutral. El activismo político podría derivar rápida y fácilmente en la defensa de un determinado ideario o ideología política de forma que sólo serían considerados verdaderos artistas o verdadero arte aquellos que estuvieran encuadrados dentro de un determinado ideario político. De hecho eso lo hemos vivido ya recientemente en Occidente. Y quizá por aquí venga la crítica que aquel alumno le realizó a la profesora en el foro.

De hecho aquí dejo parte de un artículo que dice:

¡El arte será político o no será! Crisis o no crisis, hay que repensarlo todo, dar otro sentido a valores materialistas que encierran al individuo en la cárcel del capitalismo. "Guardemos un espíritu jacobino, con muchas guillotinas", opina Mariana Botey, artista mexicana y comisaria de la exposición Fetiches críticos. Residuos de la economía general, que acoge el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles (Madrid)

En fin, toda una declaración de intenciones

Un saludo

Silvanus escribió:
Sí, claro, esto pretendía decir más o menos... Que a diferencia de Dino Formaggio (“Arte es todo lo que el hombre llama arte”) o de Yayo Aznar ("Arte es cualquier cosa que un artista diga que es arte") Creo que lo Cage intenta es ese desplazamiento a la vida... el arte no estaría en lo que produce la orquesta (en el artista de Yayo), ni en lo que piensa el hombre (artista o no de Formaggio) estaría en lo que produce el público, estaría en la acción concreta de cada hombre, en su vida... cuando la música es lo que él mismo produce cuando tose, carraspea, se mueve en la silla, susurra, ríe, aplaude...

En lo que enlazaba arriba de wikipedia se explica de dónde vino la inspiración para 4:33:

"En 1951, Cage visitó la cámara anecoica de la Universidad de Harvard. Cage entró en la cámara esperando escuchar silencio, pero más tarde escribió: «oía dos sonidos, uno alto y otro bajo. Cuando se los describí al ingeniero a cargo, me informó que el alto era mi sistema nervioso, y el bajo mi sangre en circulación». La realización, tal y como la vio, de la imposibilidad del silencio le llevó a la composición de 4′33″,8​ después de asistir ese mismo año a una exposición de Robert Rauschenberg en el Black Mountain College, donde la contemplación de unos lienzos completamente blancos le hizo pensar que la música estaba quedándose atrás de otras artes visuales y, según relató más tarde, le proporcionó la inspiración inmediata para la obra."

Es decir, la música que produce su cuerpo sin si quiera mediar intención alguna, de forma fisiológica, el latido de su corazón, etcétera... Y eso es lo que me recuerda a mí lo que bien explicas de Nietzsche... Pero es que Rauschenberg y mucho antes Malévich ya habían hecho cosas parecidas en el mundo de la pintura...

Buenas noches a todos

elías escribió:
Esto siempre ha sido así... para empezar porque el concepto de artista es muy posterior al de arte... Nadie se consideraba un artista antes del siglo XVI y muy pocos antes del XVII.
elías escribió:
Es que el arte siempre es político... porque no tomar posición política, si es que somos capaces de encontrar un "arte" no posicionado, es una posición política en sí.


Para mí el arte es simplemente un medio de expresión, un discurso que usa como medio la imagen en el caso de las artes visuales. Como en todos los discursos los hay de muy distintas clases y fortunas...

Hola Elías, no voy a enredarme en si participo de una visión sustancialista o tú en otra histórico relacional, ni siquiera sé bien qué significa. Me voy a centrar en la expresión, en los recursos, en la propuesta. Voy a pasar por encima del término “artista”, creo que ese concepto ya presume una consagración. Es un ejemplo que es vivencia y por tanto no lleva una reflexión detrás, o sí, la mía.
El valle de las Batuecas, si lo conocéis o tenéis oportunidad de mirarlo en imágenes, es un paraje natural grandioso donde hay un monasterio carmelita, San José de las Batuecas. Descendiéndolo en una ocasión, observamos una pintada en una roca que decía ¡¡Viva Dios!! No captó mi mirada o por lo menos no de aquella forma en que atrapó la de mi acompañante que sí experimentó en aquella brutalidad de la naturaleza la creación de Dios, vamos que se conmovió de los pies a la cabeza y aun hoy se le eriza el pelo del lomo al recordarlo. Su autor es anónimo, no ha trascendido, no ha tenido un reconocimiento, sólo el de aquellos que vibraron al pasar delante. Se valió de pintura y de sus manos. Probablemente se haya borrado, fue hace tiempo ya. Creo que en ella había un posicionamiento político que desde luego apreciaran los que lo compartan, lo sientan y hayan captado determinadas significaciones, sin embargo, mi mirada no fue sacudida de esa forma, puede que incluso hubiera pasado de largo si no me hubieran obligado a parar y fijarme y comprobar determinada reacción y su significado. ¿Es artística esa expresión? Si el tipo hubiera dicho que es arte, que sintió esto o aquello y quiso gritarlo ¿lo habríamos aceptado?

Hola, Cuervo Ingenuo:

Dices: “Es que el arte siempre es político... porque no tomar posición política, si es que somos capaces de encontrar un "arte" no posicionado, es una posición política en sí.”

Sí, esa es una teoría que suele defenderse. Aunque la profesora Yayo Aznar nos dice: “En realidad, la estética en la que se arropaban las vanguardias era formalista y despolitizada a pesar de las posiciones individuales o colectivas de compromiso político”. Parece que nos quiere decir que existen estéticas despolitizadas y politizadas y que el verdadero arte es cuando se hace uso de estéticas politizadas aunque no termino de entender muy bien lo que significa una estética politizada

Un saludo

Hola Xna

Dices: “Hola Elías, no voy a enredarme en si participo de una visión sustancialista o tú en otra histórico relacional, ni siquiera sé bien qué significa. Me voy a centrar en la expresión, en los recursos, en la propuesta. Voy a pasar por encima del término “artista”, creo que ese concepto ya presume una consagración……”

Igualmente nos dices, en tu ejemplo, “…….Probablemente se haya borrado, fue hace tiempo ya. Creo que en ella había un posicionamiento político que desde luego apreciaran los que lo compartan, lo sientan y hayan captado determinadas significaciones, sin embargo, mi mirada no fue sacudida de esa forma, puede que incluso hubiera pasado de largo si no me hubieran obligado a parar y fijarme y comprobar determinada reacción y su significado. ¿Es artística esa expresión? Si el tipo hubiera dicho que es arte, que sintió esto o aquello y quiso gritarlo ¿lo habríamos aceptado?”

Pues bien, para contestar a ese pregunta tendrás que acabar enredándote. Porque para contestar a esa pregunta tendrás que decirnos qué concepción posees en torno al hombre. Es que la respuesta que des dependerá de la diferente concepción que poseas en torno al hombre.

Preguntas: “¿Es artística esa expresión? Si el tipo hubiera dicho que es arte, que sintió esto o aquello y quiso gritarlo ¿lo habríamos aceptado?

Si tú posees una visión sustancialista (subjetivista) del ser humano pues podrás llegar a considerar que será el propio sujeto el que determine lo que es o no arte y que a los demás lo único que nos resta es aceptarlo o no. Mientras que si posees una visión relación no basta, ni de lejos, con que la persona nos diga que es arte porque él así lo sienta. Por eso es importante a veces enredarse en estas cuestiones.

Edito nuevamente

Al final, y con Kant, todo se reduce a la pregunta ¿Qué es el hombre? Es que en función de las respuestas que demos a esas pregunta daremos respuestas a otros interrogante como qué es el arte, qué es la sociedad, qué es la economía o qué es la política.

Un saludo